FUTURE POP RECORDS

                                          

宮下真さんと面白い音楽を取り上げて短く話しました。

1. 「Candy」 / Shinji Harada

           第1曲: 「キャンディ」 / 原田真二 / Live ver. @ 2013/1977

 

           Sōjun

           J-popで一番洗練されていると思う曲は「原田真二さん」の「キャンディ」です。

 

           宮下

           ちょっと「およげ!たいやきくん」 ( wiki )みたいな雰囲気もあるね!

           どう洗練されてるのかもうちょっと具体的に聴いてみたいな!

 

           Sōjun

           緩急です。

 

           イントロが緩やかに始まったあと小刻みに下降していくピアノは

           曲を象徴する「リフ」 ( wiki )です。

 

           Aメロ「キャンディ I love you 目覚めてよ」の後にもリフが入りますが

           落ち着かない恋心を表現しています。

 

           Bメロが何拍か遅れて始まり緊張感が高まります(「ディレイドアタック」ですか?)

 

           Bメロの後にBメロ´が入ります。

           ゆったりとした「ムーディー」 な転調をはさむことで

           サビ初めの強いアタックが効果的になっています。

           歌詞も「寒い心」で抑えきれない心情に同調しています。

 

           突然転調して緊張した心が弛緩します。

           歌詞も「その優しい手で包んで」と同調します。

 

           けれでも感情は揺れたままです。

           続く「Oh,キャンディ」の旋律は溜息をつくような発声です。

           恋愛に翻弄される様子で落ち着きがありません。

 

           終わり方もヴァイオリンを三段重ねで繰り返します。

           起伏の激しい様子を表しています。

 

           「メロディ」と「コード進行」と「楽器の合わせ方」と「歌詞」と

           巧みに練られている曲だと思います。

           この曲は好きというよりも優れているという意味で評価しています。

           (*Small Talk第5話:曲の良し悪しを参照してください)

 

           宮下

           素晴らしい笑 細部まで聴き込んでその上で的確な評価してて、

           俺の周りの音楽をやっている人間よりもよっぽど情熱的だよ。

           なんで音楽やんないのか不思議、てか本当にやって欲しい笑

 

           実は「平行調」 ( wiki )転調が非常にうまく使われていて(すでに知っているかもたけど笑)、

           基本的にその両調が交互に入れ替わって進んでいく曲だよね。

 

           しかもSōjunのいった通り

           感情の起伏を表すかのようにその転調をうまく使ってて

           「寒い心」のところは「クリシェ」 ( wiki )と呼ばれる理論を使っていて、

 

           その後に平行長調に移ってそこからは半音ずつ

           今度はコードが下がっていくという非常に綺麗なコード進行、

           そして最後「oh、キャンディ」で平行短調へ。

           確かに洗練されてると思う。

 

           そしてBメロの「イバラに」の「に」の部分や「眠るよこがお」の「よ」は

           ディレイドアタックではなく「アンティシペーション」 ( wiki )の方だね。

           強拍部分より先行して音が出ているからwe anticipate the note笑(*音を予測します)

           (*音楽理論第1回:シンコペーションを参照してください)

 

           その後に平行長調に移ってそこからは半音ずつ

           ちなみにこの部分は小節数が7で構成されていて、

           感覚的には最初の3小節、その後の4小節で区切れるかな。

           だからわざと最初の一小節休符にして3小節の違和感を少しでも減らそうとしたんだと思う。

 

           実は「小節」 ( wiki )数に対する考慮もなかなか面白くて、

           知ってるかもしれないけど7小節で有名な曲は「ビートルズのイエスタデイ」 ( wiki )です。

 

           Sōjun

           小節数を意識して曲を聴いたことはありませんでした。

           面白そうな話ですね。

 

           宮下

           基本音楽は8小節や16小節で一区切りとする事が多くて、

           それ以外だとすこし不安定な曲になってしまうんだけど、

           「ブルース」 ( wiki )は12小節区切りでそこに違和感がないんだよ。

           なぜブルースは12小節区切りにも関わらず違和感を感じないのか、

           それはそこに魂の嘆きが詰まっているから…いまいちだな笑

 

           *to be continued...

 

2. 「By Fire」 / Hiatus Kaiyote

           第2曲: 「By Fire」 / ハイエイタスカイヨーテ @ 2015

 

           宮下

           あとこれ聴いといて!

           俺的には「プログレッシブフュージョン」 ( wiki )。

 

           Sōjun

           ボーカルが「ソウルフル」 ( wiki )でバックは真の言う通り

           プログレッシブフュージョンで面白いですね。

 

           宮下

           ハイエイタスカイヨーテはほんと面白いよ。

           しかもまさかの「ギターボーカル」 ( google )だからね。

           あれ弾きながら歌うとか天才だと思うよ。

           でもある意味ギタボだからあのリズムを出せるのかもしれないけど!

 

           *to be continued...

 

3. 「Blackstar」 / David Bowie

           第3曲: 「Blackstar」 / デヴィッドボウイ @ 2016

 

           宮下

           「デビッドボウイ」の新譜も聴く価値があると思うよ!

           死んじまったけれど。

 

           宮下

           てかボウイ苦手だったのか笑

           (*以前の会話:クセの強さが苦手ですの下りから)

 

           Sōjun

           かっこいいとは思います。

           キャッチーな「Beauty and the Beast」が好きです。

           「ネクストデイ」 ( wiki )も聴きやすくて良いです。

 

           宮下

           ネクストデイ聴いたことない笑

           てか俺はベタだけど「ジギースターダスト」 ( wiki )が胸熱だったけどね。

 

           宮下

           てか新譜なかなかに面白かったでしょう?

           新旧入り混じっててメロディーはやや古くさいんだけど、

           全体としては間違いなく現在の音楽で。

 

           Sōjun

           はい。聴きごたえがありました。

           ご自分の死期が近い事を予感されているような展開のアルバムでした。

 

           Sōjun

           お亡くなりになられた後も各メディアで大きく取り上げられました。

           様々な方面の皆さんに愛されていた方でしたね。

 

           *to be continued...

 

4. 「Yuxie, Emrit&Agnome battle music」 / Junichi Masuda

           第4曲: 「戦闘!ユクシー・エムリット・アグノム」 / 増田順一 @ 2006

 

           宮下

           「ポケモン」のこの曲、別に何がってこともないんだけど

           出だしの緊張感とか好きだったな。

           どうしても「シオンタウン」のような曲調に

           ついつい耳がいってしまうのは自分の悪い癖なのかも笑

 

           Sōjun

           いいですね。

           出だしの緊張感が耳に残る事わかります。

 

           ヒステリックな音使いの好い例として

           20世紀初頭は「ストラヴィンスキー」の「春の祭典」。

           20世紀中頃は「バーナードハーマン」の「映画サイコのテーマ」。

           20世紀後半は「植松伸夫さん」の「片翼の天使

           21世紀は本曲が新たに記憶されるかもしれません。

 

           シオンタウンは「ポストロック」 ( wiki )くさいです。

           「Spiderland」が演奏しそうです。

 

           宮下

           ヒステリックだったり緊張感のある曲を作りたい場合、

           やはり「トライトーン」(wiki)が肝になってくることが多い。

 

           スケールでいうと「クロマチックスケール」、「ディミニッシュスケール」、

           「クロマチックスケール」(略してコンディミ)、

           あとは「ロクリアン」、たまに「ホールトーン」 ( wiki )とかがあったりするかな。

           どのスケールも「トニック」 ( wiki )に対してトライトーンを含んでいるよ。

           ちなみにトライトーンは「ルート」 ( wiki )からみて増4度(減5度)にある音程で、

           CからみたらF#の音程のことです。

 

           *to be continued...

 

5. 「Mobile Suit Gundam UC」/ Hiroyuki Sawano

           第5枚: 「ガンダムUC」 / 澤野弘之 @ 2014-2010

 

           宮下

           UC(*「ガンダムUC」)も良かったね!!

           「医龍」のサントラと作曲家同じなんだけど

           そっちもわりかし好きだった!

           毛色は一緒だけど。

 

           Sōjun

           UCみました?青臭いのでああいったものは好きです笑。

           医龍も似た曲調ですよね。作中で生かされる曲ですね。

 

           宮下

           わかる!UCサントラだけじゃなく内容もかなり好きだったけどね、

           ラストら辺除いて笑

           てか壮大な「和音」の展開とメロディーが本当に上手いと思う。

 

6.「Platinum」 / Yoko Kannno

           第6曲: 「プラチナ」 / 菅野よう子 @ 1999

 

           Sōjun

           プラチナの「コード進行」 ( wiki )はどうですか?

 

           宮下

           てかこの曲実は結構音楽好き界隈では有名な曲で、

           かなりの変化球を完璧に当てはめた感はあるよね。

           まぁ菅野よう子はこの曲だけじゃなく

           コードの際を攻めるのが本当に天才だと思う。

 

           宮下

           てか「残響のテロルってアニメの主題歌

           菅野よう子なんだけど

           そのコードなんてもうめちゃくちゃでもはやなにがなんだかって感じだよ!

           本当に理論に縛られない感性の人だと思う。

 

           (*後日)

 

           Sōjun

           日々の生活を「サティ」(*「」)していると

           プラチナのサビの歌詞は本当に正しいという事がわかります。

 

           宮下

           ちなみにプラチナは1番と2番のどっちの歌詞?

 

           Sōjun

           1番です。

           人間の意志ほど強い力を持ったものはこの世にありません。

           良い方向にも悪い方向にも人生思い通りに動いています。

 

           だから自分の本心から本当に取り組みたい事を自分で理解していると

           あれ?こんなこと望んでいなかったのに…

           こんな曲が出来るはずじゃないのに…

           という事態が減ってくるはずです。笑

 

           宮下

           人間の意思に関してはそうだと信じたいというのが正直なところかな。

           作曲しててたまに思うのが、曲それぞれにも強い意思があるんじゃないかなって笑

 

           自分はこうしたいのにって意思があってもその曲がいや、そうはさせない、

           俺はこうなりたい!みたいな主張をしてきて

           結局それに抗えないんだよね笑

 

           それは自分の意思が曲の意思に負けてるのか、

           それとも曲の意思を予測する能力が必要なのか…。

 

           Sōjun

           曲の意志に任せればいいものになります。

           自分の頭で作らないところに創造性があります。

 

           *to be continued...

 

7. 「Tsumi no namae」 / ryo(supercell)

           第7曲: 「罪の名前」 / ryo(supercell) @ 2016

 

           Sōjun

           ryo(supercell)さんは詞、日本語の唄への乗せ方が抜群に上手いです。

           一つ一つの言葉の音に気を配っているように感じます。

           歌詞と「メロディー」と「リズム」の関係性をこの人以上に考えて作ってる人は

           いないんじゃないかと思うぐらい驚かされます。

           もしくは「ボーカロイド」で一つ一つの声をご自分で調整されているから

           言葉がメロディーとリズムにハマっているのかもしれません。

 

           Sōjun

           この曲はポップスとしてのアレンジがとても洗練されています。

           「オーケストラ」の編曲で心を動かされたのは初めてです。

           そして「物語性」が強い曲です。

           「神の恩寵」を題材にしている曲です。

           *並びに「atogaki」に書かれていますが登場人物の女性は

            「リジーベラスケスさん」をモチーフにされています

 

           イントロの「バグパイプ」 ( wiki )は「祝祭」が始まる合図です。

           神をお招きする「儀礼」の役割を果しています。

           「ヨーロッパ中世、人々が純粋に神を信仰していた時代、」

           農村部のカーニバル(謝肉祭)を想起させます。

 

           天に昇っていくようなフルートの「アルペジオ」 ( wiki )は

           教会の「ゴシック建築」と同じ志向です。神の御下へ近付きたい信心です。

           力強い二拍子の推進力も「救済」の物語(神の恩寵)の強い進行力を後押しします。

 

           中盤から暗雲とした雰囲気になりますが「機械仕掛けの神」が 働き突然の幕切れを迎えます。

 

           最初から救われる事は決まっていました。

           「運命」と「予定調和」の物語です。

  

           技法的には同じメロディーを転調させたり

           アレンジを工夫して表情を変えていることが多いです。

           長いのにダレないのは展開が工夫されているからでしょうか?

 

           Sōjun

           ryoさんに注目してしまうのは、感受性が強い人で心が揺れながらも

           純粋に音楽が好きという事が曲と文章から伝わってくるからです。

 

           この曲が完成するまでの試行錯誤を文章で公開されていますが

           (*こちらになります:http://www.supercell.sc/music016/atogaki.zip)

           例えば

           「今回は自分が今現在作ってみたい、

           それは失敗する可能性も含めて自分自身の前進のために作る音楽。」

           「製作時間を気にせず作る。そして何より自分のために、

           自分を鼓舞するために鳴ってくれる音楽をひたすら追求すること。」と書かれています。

 

           音楽に打ち込むに至った経緯も書かれています。相当な劣等感があった人です。

           芸術家は劣等感を隠さないで音楽という形で表出する人が多いですね。

           純粋で素直だから出来る事です。(だから私は芸術が好きです)

 

           結論ですが真も自分が満足する曲を書けば素直でいい曲になります。

           (*創作の姿勢について第4回:自己満に終わりたくないの下りを参照してください)

 

           宮下

           注目してしまうという書き方は非常に共感できるよ笑

           俺にとっては「相対性理論」(というか「やくしまるえつこ」と「真部脩一」)です。

 

           宮下

           「ボカロ」、とくに「初音ミク」(英語版のcyber diva)を使ってみて思ったのは、

           リズムと歌詞とメロディーの関係性が全て同一画面上でしっかり把握できて、

           そういう意味ではボカロの作曲はより密接に、

           それこそ複合的に考えられるのかなと思う。

 

           宮下

           ただ正直にいうと人間のもつリズムの方が好みではあるんだけど。

           俺はやくしまるえつこや最近だと

           「木曜のカンパネラ」とかはかなり

           その三要素をしっかり把握してたり意識していると思ってる。

 

           宮下

           残念ながら文字化けしててスーパーセルのコメントが読めなかったんだけど、

           失敗する可能性も含めてというのは全くもって同感です。

 

           劣等感って現代のアーティストの特徴だったりもするのかなって思う

           もちろん昔にもそういう芸術家もいたけど、今の方がより多い気がする。

           というかただ単に日本人に多いだけかな。

 

           でも自分も相当劣等感、ってか劣等感しかないんだけど

           それでもまぁそれでもひがみというのが不思議となくて、

           だからそれが悪い形で曲に現れることはないと思う。

 

           Sōjun

           劣等感があるけどひがみがないという事は

           劣等感がないという事です。

           いいことです。

 

           (*後日)

 

           宮下

           罪の名前聴いてみたけどかなりこだわってるね。

           リズムにしても展開にしても、音の使い方もそうだけど、

           「モチーフ 」 ( wiki )の使い回しかたもうまいと思う。

           ちょっときれいすぎる節があるけど、

           まぁそれは完全に趣味の話しで笑

 

           俺はこういった曲を絶対に作れないから

           (別に好き嫌いとか関係なくあまり作る気もないんだけど)

           そういう意味では素直に凄いと思う。

           「UC」 ( wiki )のサントラ作ってる人とかもそう。

 

           Sōjun

           ちょっときれいすぎる。確かに。

           きれいすぎます。

           言われて気づきました。

 

           自分の心に汚い部分があることを理解しているから

           きれいなものに惹かれます。

           「ディスヒート」 ( wiki )も好きで惹かれますが笑

 

           本当は自分はきれいだから過度に惹かれる必要がない。ということに

           真のコメントで改めて気が付かされました。

           ありがとうございます

 

           Sōjun

           人間のもつリズムというのは譜面に表せないのですか?

 

           宮下

           今の楽譜では人間のもつリズムの揺れを再現するのは不可能だよね。

           ただ「DTM」上では可能です。

 

           たまに音楽の先生とかで「打ち込み」を遊びみたいに捉えてて、

           「記譜絶対主義」の人もいるけど、

           今ではDTM上のビジュアライズも譜面と同じくらい大切だと思う。

 

           宮下

           きれいなものに惹かれる人は自分のなかにきれいな部分が多い人だと思うよ。

           純粋な部分と言ってもいいと思うけど。

 

           そういう人たちはきれいであろうともがいてて、

           だからきれいなものもしっかりと吸収できたり、

           その魅力に気付けたりするのかなって。

           きれいであろうともがく分、多少過度になってしまうのかもしれないけど。

 

           だから汚い部分があることを理解してても

           きれいなものを好きでいられたんだと思うよ。

 

           まぁそれをもがくこともなく素でできる人もいるのだろうけどね。

           俺は汚い部分の方が多いから、きれいなものを直視できないんだよね笑

           そして汚いものが過度に好き笑

 

           Sōjun

           人間みんな「仏さん」です。

           気が付いていない(「悟っていない」)だけです。

           真は気が付いているのに気が付いていないフリをしているだけです笑

 

           宮下

           人間はみんな仏さんか…

           ただ気づいているのに気づいてないフリをすることを汚いと呼ぶんじゃないのか?笑

 

           Sōjun

           照れかくしですよ笑

 

           *to be continued...

 

8. 「Blues stage」 / Mari Yamaguchi

           第8曲: 「ブルースステージ」 / 山口真理 @ 1992

 

           (*音楽理論第9回:モーダルインターチェンジ、借用コードから続いています)

 

           宮下

           ...あと「ロックマン10のワイリーステージ1の曲」はアレンジ?それともオリジナル?

           なんかかなり理論にそってキレイに作られてて

           それはそれでなんら問題はないのだけど、

           昔の方がめちゃくちゃで好きだったかも笑

 

           最近結構良くあることなんだけど、

           理論が昔よりもずっと整理されて、

           そういった知識を持った作曲家もかなり増えてきた結果、

           理論に添いすぎてしまう風潮にあるよね。

           プロデューサーだったりアレンジャーだったりが

           そういう曲しか通さなくなったということもあるのかもしれないけど。

 

           理論から外れた曲はバグだとみなされてる感じがするよ。

 

           「デバック」なんだろうけど、音楽はゲームと違くて、

           理論から外れてもそれはバグてはないんだけどね。

           まぁバグのときも確かにあるけど。

           まぁなんていうか批判を恐れているのかもね。

 

           Sōjun

           複雑な時代状況に対する感性の差が昔と今のアートの違いに表れています。

           90年代は難しいことを難しく考える登場人物が答えを求めます。

           「Nirvana」 ( wiki )、「リバーズエッジ」 ( wiki )、「エヴァ」 ( wiki )、「ゼノギアス」 ( wiki )、

           「シルバー事件」 ( wiki )、「Serial Experiments Lain」 ( wiki )、「攻殻機動隊」 ( wiki )、

           「少女革命ウテナ」 ( wiki )、「CURE」 ( wiki )です。

            (*追記:26, Oct, 2017)

            - *難しく"考える"とは言語に限らず心を使って何かを意識することを含みます

                だからNirvana少女革命ウテナが入っています

 

           00年代-は難しいことを「シンプル」 (*リンク) に把握する傾向が強まっています。

           「Wienners」 ( wiki )、「インターステラー」 ( wiki )、「コードギアス」 ( wiki )、

           「まどかマギカ」 ( wiki )、「ガンダムUC」 ( wiki  )、「スクライド」 ( wiki )、

           「Fate」 ( wiki )、「空の境界」 ( wiki )、「けものフレンズ」 ( wiki )です。

            - *シンプルについては上リンクの下の方にありますSimplicityに対する

                " クリシュナムルティ "の言葉を参照してください

            (*追記:26, Oct, 2017)

               「ビルエヴァンス」 ( wiki ) の 「ドキュメンタリー」をご覧下さい。

                すべての方に心からご視聴を推薦いたします。

 

           80年代は難しいことがないと思っていた-思い込んでいた時代です。

           「エクストリーム」 ( wiki )、「ツインビー」 ( wiki )、「プロジェクトA子」 ( wiki )です。

           他方では新しい価値観を模索していた時代です。

           「New Order」 ( wiki )、「Talking Heads」 ( wiki ) といった「New Wave」 ( wiki )です。

            - *70年代に生まれた 「アメリカンニューシネマ」 ( wiki )

                ref. (*たとえば) 「真夜中のカーボーイ」 ( wiki ) と同じ系統のムーヴメントです

 

           「ダークマン」は複雑な厳しい状況を複雑に厳しいままに表現しています。

           90年代という時代が答えを探し求める時代であり

           難しい表現のアートを受け入れていたから生まれる音楽です。

 

           *to be continued...

 

9. 「HeizokuUchuu ni Humetsuno Koutei」 / JA. Seazer

           第9曲: 「平俗宇宙に不滅の皇帝」 / J・A・シーザー @1998 / *29:54秒から再生して下さい

 

           Sōjun

           構成は

           イントロ-Aメロ-Aメロtake2-Bメロ-Cメロ-コーラス-

           Aメロ-ブリッジ (シャウト) -サビ-ブリッジ (シャウト) 

           です。

 

           「変拍子」 ( wiki )が面白いです。例えば間を置かずに入ってくるBメロです。

           各メロディー小節の終わりでも拍子を変えています。

           それに対してコーラスはストレートで平坦なリズムになります。

           全体が変則的な調子なのでコーラスが際立っています。

 

           ジャンル的には「プログレッシブ」 ( wiki )「合唱曲」 ( wiki )でしょうか。

           「本ブログ」 では「パンク」 ( wiki )のカテゴリに入れました。

 

           宮下

           「ウテナ」 ( wiki )の不滅の皇帝をアナライズしてみたけど、

           変拍子以外は案外シンプルなギミックだったよ。

 

           とりあえずキーはEmで転調なし。

           出だしのメロディーが#Ⅳ→ⅠとⅤ→#Ⅳというかなりキツめのラインでスタート。

           なぜ#Ⅳがきついかというと、

           この「インターバル」 ( google )(Ⅰ→#Ⅳ)は「トライトーン」」 ( wiki )と呼ばれていて

           「振動数」 ( wiki )の比が他のインターバルと比べて非常に複雑だから…と言われてる。

 

           ちなみに1番整った振動数比をもつのがⅤの2:3(Ⅰ:Ⅴ)で

           1番安定した響きだっていわれてる。

           ただこれは 「純正律」 ( wiki )と呼ばれる調律においてで、

           他の調律だとまた違った振動数比が出てくるんだけど、

           まぁ今はほぼ純正律だから気にしないで大丈夫。

           ちなみにここにも「コリアー氏」は目をつけてたりするんだけど。

 

           余談で、このインターバルの響きをレベルごとに分けたものがあって、

           確かその名前が*「レゾナンスレベル」 ( wiki )とかだった気がするんだけど、

           ネットで探しても出てこないから違うかも笑

           *共振振動数resonance frequency )です

 

           んで話しをもどして、

           出だしのあとはEmスケールに沿っていて特に目立った動きはなし。

           それじゃあなぜ印象的に聴こえるのか?ということの理由としては

           コードやベースとメロディーの「ユニゾン」 ( wiki )の多様、

           執拗な変拍子、メロディーの動きがどちらかというと「モーダル」 ( wiki )ではなく

           「コーダル」 ( google )だから…とかかな。

 

           コーダルなメロディーって楽器で演奏することはよくあっても

           歌で歌うことはそんなに多くないんだよね。

           もちろん部分的にはよくあるんだけど、

           かなり歌うのが難しかったりするから「ポップス」 ( wiki )だと少ないよね。

 

           Sōjun

           コリアーさんの言葉で言えばヴァーティカル - 垂直=コーダル - 和声ですね。

           分かりやすいです。

           (*創作の姿勢について第2回を参照してください)

           一つの用語 - 概念を用いるだけで曲のパースペクティブが得られました。

           楽曲の観方を教えて頂きありがとうございました。

 

           *to be continued...

 

11. 「Oozora de dakishime te」 / Utada Hikaru

           第11曲: 「大空で抱きしめて」 / 宇多田ヒカル @ 2017

 

           Sōjun

           この曲すごくないですか?

           Aメロはピクニック調で軽く進行しますが

           ドラムが止まるBメロは歌詞にも相まって緊張感があります。

           不協和なストリングスは「imoutoid」 ( wiki )を彷彿とさせます

           *音楽理論第5回を参照して下さい

           一方サビでは「チェンバロ」 ( wiki )を使いエレガンス感を出しています。

           最後のサビでは弦楽がアグレッシブになり曲の輪郭をくっきりさせています。

           ですが終わりにはボーカルを加工させた上でFade outさせます。

           バックの「サウンドエフェクト」 ( wiki )も左右に揺さぶってきます。

           曲の基調は陽ではなく陰であることを主張しています。

 

           攻め方を弁えているから

           実験的でありながらも市場に受け入れられています。

           それも妥協している訳ではありません。

 

           宮下

           大空で抱きしめてすごいね…さすが宇多田ヒカル

           メロディー、ストリングスや空間に対する音使い等ももちろんすごいんだけど、

           この「ハイハット」 ( wiki )のアイディアには正直脱帽です。

           「三拍子」 ( wiki )の「シャッフル」 ( wiki )で4小節回してまた頭に戻る。

           聴く側からすると「ポリリズム」 ( wiki )のような感覚になる。

           ただすごいのはこのシャッフルの「スィング感」 ( wiki )を

           おそらく場所場所で変えてるんじゃないかって聴こえる。

 

           最初はかなり強めのスィングでいわゆるシャッフル感をだして

           ラスサビのところは少し軽めにして「イーブン」 ( google )に近くしてるように感じる。

           そしてラスサビ前に一度完全なイーブンに戻した瞬間は少しゾッとしたよ。

           こういうことをポップスでやることに価値があると思う。

 

           実はこっちに来る前にポップスの範囲内で

           どこまで実験的なポップスができるか試してみたんだけど

           あんま上手く行かなくて、曲がちっともまとまらなかったんだけど…

           この人はすごいなぁ。悔しいけど足元にも及ばないよ。

 

           Sōjun

           はい。スィング感変わっています。

           リズムの微細な調整には真の言う通り脱帽です。

 

           見れば見るほど歌詞とアレンジが綿密に噛み合っています。

           プロの技を以て真剣に音楽を作るとこうなるんですね。

 

           *to be continued...

 

12. 「Unknown Mother goose」 / wowaka

           第12曲: 「アンノウン・ マザーグース 」 / wowaka @ 2017

 

           Sōjun

           今年 ( 2017年 )は「初音ミク」 ( wiki )が

           リリースされてから10周年です。

           真が苦手な「VOCALOID」 ( wiki )ですが特集致します。

           ロック中心でいきますのでそれなりに安心して下さい。

 

           1 サウンド 〟 / 「 baker 」  @ 2007 

           2 Scene 〟 / 「 ジミ-サムP 」  @ 2008 

           3 Hello, Worker 〟 / 「 KEI 」  @ 2011 

           4 孤独の果て 〟 / 「 光収容 」  @ 2009 

           5 シティーボーイ 〟 / 「 Mitchie M 」   /   中嶋一徳  @ 2012 

               +    オリジナル: 「 8 1/2(ハッカニブンノイチ 」  /  LIVE ver.  @ 1979 

           6 フライングスタート 〟 / 「 ちえP 」   /   ( chiepomme )  @ 2008 

           7 「 VOCALOID 」 の 脆弱性。 〟 / 「 Haniwa  」  @ 〝 2016 

               + 〝 二台のドラム、一本のベース、合成音声よりあなたへ。 〟 / 「   」  @ 〝 2015 

           8 Stargazer 〟 / 「 骨盤P 」  @ 2008 

           9 ブレイブストーリー 〟 / 「 ヘリP 」  @ 2010 

           10 アンノウン マザーグース 〟 / 「 wowaka 」  @ 2017 

 

           真

           別にボカロが嫌いとまではいかないんだけどね、ただなぜかまぁ…笑

           でも適当に作られたポップチャートの曲よりは全然練られてるし、

           アイディアが詰まってるからすきだよ。聴いて感想送ります!

 

           真

           1番好きなのはアンノウンマザーグースかな!

           サビ?といえるのかわからないけど

           いきなり日本的なメロディーやリズムから

           ちょっと洋楽ナイズされたメロディーがソフトに入ってくるところは

           かなり引き込まれた。

           Bメロ?の終わりで早口になるのも

           サビに向けてかなり効果的だなと思う。

           メロディーも仕掛けもかなり良いと思います。

 

           Sōjun

           この人はボカロが高速な曲を早口で歌うというイメージを作った一人です。

           しかしながらある種、wowaka的=ボカロ的と連想され

           彼のフォロワーが*「全然心を感じられないニュアンスみたいなもの」

           を量産しました。

           そのようなVOCALOIDシーンの変化を嘆く痛ましい心情が叫ばれている曲です。

           6年ぶりの新曲です。

            * 「wowakaさんのtwitt」 より

 

           Sōjun

           真の言う通り「洋楽ラウドロック系」 ( wiki )のリズムとメロディーのBメロ、

           そしてCメロで「チルアウト」 ( wiki )する流れです。

           木琴に似た柔らかい音が入り「裏打ち」 ( wiki )の「スネア」 ( wiki )が入って再度盛り上がります。

           全体に通底している暖かみのある感情が

           音にも落とし込まれ独特な音像になっています。

           Bメロまで緊張感のある展開が続きますのでCメロ、そして

           サビにおけるピークアウトは効果的でとても開放的です。

 

           Sōjun

           アバンイントロ ( 最初のリフ前の歌 )等での声の歪ませ方はVOCALOIDならではです。

           サビを言葉にしていない所は感情の無国籍性、普遍性を強調しています。

           凝った音作りとドラマ性を備えた、wowakaさんの新境地な曲ですね。

           そして既存の要素をミックスさせるだけでも

           料理次第で新しいものができると改めて思い知らされました。

 

           真

           ほんと部分的に見るとそこまでなんだけどね。

           聴いてるとサビの感覚があまりなくて、

           だからといって洋楽的な構成や感覚というわけでもなく、

           結構聴いていい意味で不思議だった。

 

           真

           あと「2台のドラムと〜」聴けました。

           なんだろう迫力という意味だと結構あるんだけど、なんかこう言葉が邪魔だなと思う。

           というのもこういう実験的で面白いことをやってますよって

           言葉で伝えようしてる感が否めない。

           複合的なエンターテイメントとしては全然ありだし面白いんだけど、

           音楽単体でとなると惜しいなとおもう。

           ボカロの脆弱性も似てるね。

           こっちの方はギターメロがあんま好みでなくて、二台の〜の方が俺はすきかな。

 

           Sōjun

           同意です。言葉は余計だと思います。

           音は「Godspeed You! Black Emperor」 ( wiki )の暴力性や

           「John Frusciante」 ( wiki )系の嘆きが主体の轟音系です。

           「ポストロック」 ( wiki )の文脈ですが

           今現代でもこういう感覚は時代を捉えていると感じます。

 

           真

           もう少し辛口をいうと、

           ベースの「チューニング」 ( wiki )「全音」 ( wiki )下げかつ弦を細くしてギターに近づけて、

           そこに「オクターバー」 ( wiki )や「ファズ」 ( wiki )をかける。

           なんていうか適当な感じがする。

           よくいえば感覚的なんだろうけど。

           もしかしたらベースの弦をそのままだと音が割れちゃって、

           だから細くかつ全音下げにしたとかそういう現実的な理由があるのかも知れないけど、

           それでも言うほど聴いた感じがすげーとはならなかった。

           「KORGのボルカ」 ( google )にしてもそうかな。

           もちろん何も考えないよりははるかにいいんだけど。

 

           ただループを右から出して、左で弾くと言うのはいいなと思った。

           この場合だとあまり効果的だったとは思わないけど、

           なんかもう少しひねって発展させればうまくいきそうな気がする。

           フルシアンテはソロだとアルバムごとに違って面白いよね。

           どういう感覚でmy smile is a rifleなんだろうか。

           でも嘆きという表現が1番しっくりくるね。この人の音は響くよ。

 

           Sōjun

           ベースが適当- ああ、はい笑

 

           真

           god speedとかああいう徐々に上げていく曲は

           どうしても一定の好意を持ってしまうよ笑 好みの話しで笑

 

           真

           本当に難しいとはおもうんだよ。

           その感覚的にやるのか、論理的にやるのか、

           またはどっちも取り入れるのかというのは。

           もちろん正解不正解という話ではなく。

           そうなると結果論でしか評価ができないんだよね。

           まぁ実験的なことってそういうことなんだけど。

           どっちにしても過程を発展させることはもちろん可能だから、

           やってダメでもその一回であきらめずちょこちょこ変えてみることはとても大事だと思う。

 

           真

           あと「シティーボーイ」は面白かった。

           最初にボカロの方を貼ってくれたからそれ聴いて、

           普通に現代のオリジナルかと思ったよ。

 

           Sōjun

           「ビルエヴァンス」 ( wiki )は基本ー分析力があった上での感覚だと言っています。

           「ピストルズ」 ( wiki )は分析力も何もない気がしますが

           感覚的であっても音の分析力 - 直観という意味での論理が

           働いていると思います。

 

           真

           ピストルズねぇー…ほんと困るんだよ笑笑

 

           Sōjun

           どの変が面白かったですか?

           私もオリジナルだと思いました。

           自分のものにしていますよね。

 

           真

           とりあえず原曲が面白いよね。

           78年、パンクバンドでギターなし、かつ「シンセ」 ( wiki )を

           ああいう風に使って音楽やってる人がいたんだって。

           でも比べて聴くとボカロの方にそんな古さを感じないんだよね。

           てかもう一回聞いてみる笑

 

           真

           この曲調が非常にボカロと相性がいいのかな。

           とりあえずアレンジは抜群にいいと思う。

           音色の使い方やリズムもボカロをたててより、馴染ませてる気がする。

 

           Sōjun

           曲調そのものが合っていると。

 

           真

           あまりボカロを聴き込んでない人間がいうのもなんだけど、

           ちょっと遊びのある曲とボカロは相性がいい気がするんだよね。

           「マトリョシカ」 ( wiki )だっけ?

           ああいうのを普通に歌ってやってもちょっと滑稽になりがちだけど、

           ボカロでやるとなぜかすんなり聴けたり。

           全体的に綺麗な曲が多いんだけど

           どうしても、ボカロのである必要があるのかな?

           ってたまに思っちゃうこともある。

           Haniwaから反論されてしまうかもしれないけど笑

 

           Sōjun

           こちらはマトリョシカ作者米津玄師さんの「砂の惑星」 です。

           前にも紹介しましたが

           「ヒップホップのトラップ」 ( wiki )に、冒頭「リフ」 ( wiki )の後とサビ入りのギューン、ひねくれたギター。

           中毒性が高いとボカロが言われるのは音の遊びがあるからかもしれません。

           リフや音のギミックがリフレインしてきます。

 

           真

           そう、中毒性!

           やっぱリアルにないなにかだと俺は思う。

 

           真

           やっぱり今回Sōjunが勧めてくれたのと、

           例えば「罪の名前」(小話7話)を比べてみると、

           罪の名前の方がおれははるかに評価が高くて、

           中毒性かどうかはわからないけど、

           しっかりとしてファンタジーがあってそれとボカロが合ってる気がするんだよ。

           砂の惑星もそうだね。

           実際のところおれの趣味の話なのかもしれないけど…

 

           Sōjun

           リアルをバーチャルで表現した時に

           違和感を感じるかどうかということでしょうか。

           私は逆にリアリティを感じたり感情がないのがしっくりきたりします。

           もちろん罪の名前の様に

           バーチャル=ファンタジーをファンタジーでやるのもありです。

 

           真

           その通りで、人間と比べて無機質で感情無しに歌ってくれて、

           そこは非常に魅力的なんだけどね。

           リアルをバーチャルで表現した時に、

           それがただ単に人間の代わりとして使われているのか、

           それともボカロでないといけないのか…

           ボカロに歌わせないとこの曲はダメなんだと

           思わせる何かを感じるかどうか…かな。

 

           真

           なんていうかそれっぽい曲調にボカロを乗せてどうぞと言われても、

           それはただボカロというクレジットを必要にしてるだけで、

           芸術としてみるとそこにはあまり発展性を感じないんだよね。

           まぁこれを言うとボカロに限らずなんだけど。

 

           真

           あと他の曲でいうと「フライングスタート」というタイトルで

          「アンティシペーション」 ( wiki ) を多用するのは遊び心があるなと思った。

           しかもその名の通りフライングスタート感もなんか感じる笑

 

           Sōjun

           ボカロ抜きで曲自体を抜きだしてもリアル系は面白くない

           -発展性がないですか?

 

           真

           あと「stargazer」のBメロかさーねてーは

           「クリシェ」 ( wiki )ではなく「クロマチック」 ( wiki )かな。

           クリシェはあくまで全体のコードは変わらずその一部が半音ずつ変化していくことで、

           この曲の場合はコード全体が半音ずつメロディーと合わせて落ちてくから

           クロマチックな動きっていう表現の方がいいかな。

 

           どっちかというと「ブレイブストーリー」の出だしとかは

           ベースクリシェっぽいよ。

           正確に半音ずつおちてるわけじゃないから

           正確にクリシェとは言えないんだけど、

           同じコードに対してベースだけが下がってくから

           ニュアンスとしてはクリシェかな。

 

           真

           うん…最初の「サウンド」とかは普通だなって思ってしまう。

           一番の特徴をあげるとボーカロイドの使用ってなっちゃうと、どうしてもね。

           たしかに骨太なサウンドなんだけど…

           もちろん、そういうことをひっくるめて1つの型として楽しむことはよくあるし、

           あくまでおれの感想ということで…

           なんてわかりきったことをSōjunに書く必要はないんだけど笑

 

           Sōjun

           忌憚のないコメントありがとうございました。

           「大感謝祭初日のミクパ」 ( google )で初めて

           VOCALOIDが動き、歌っているのを見て感動した身としては

           これからも面白い音楽が生まれるシーンであってほしいです。

           今後も気になった曲がありましたら紹介します。

           よろしくお願いいたします。

 

           *to be continued...